Fahrenheit 451

Esta película, basada en el éxito de Ray Bradbury y apoyada por él, fue otro de los éxitos de François Truffaut y sus planteamientos realistas de los sentimientos del ser human, siendo esta su primera película a color y en inglés. Producida 14 años después de que Bradbury publicara su libro, esta es otra historia de ciencia ficción que habla de una Inglaterra distópica en la que el gobierno, que se representa a sí mismo como "La Familia" para integrar a la sociedad como un grupo con una sola mentalidad, oprime a la sociedad, esta vez utilizando a los bomberos que se dedican a quemar cualquier libro existente. También es una sociedad donde las drogas (o medicinas) son repartidas libremente por el gobierno para mantener a las personas en un estado pacífico y donde la nitidez lo es todo (tanto que rapan a los hombres "antihigiénicos y antisociales" que llevan su pelo largo). El individualismo provocado por el conocimiento que crea la lectura está estrictamente prohibido. Su méritos por el guión, la actuación y la música son parte de los elementos que la llevaron a ser nominada a un Golden Lion en el Festival de Cine de Venecia en 1966.

Transmisión televisiva de La Familia

Datos bastante curiosos sobre el casting son que, para empezar, Oskar Werner, quien hace el papel del personaje principal, Montag, fue la octava opción a la que tuvo que acudir Truffaut para posibles actores; irónicamente muchas críticas aclaman a Werner por su gran interpretación, pero Truffaut dice que esta fue la película más triste y difícil de hacer en su carrera por tener mucho conflictos con el actor.   Y, en mi opinión, Werner tuvo una actuación bastante pobre. Si eso es culpa de Truffaut como director (y por sus conflictos personales con él) o porque el actor en sí no pudo hacer un vínculo con su papel. Al inicio tiene sentido que él se mire frío y robótico por su mismo contexto como "esclavo" del gobierno. A medida que avanza la historia y Montag descubre su curiosidad y pasión por los libros, siento que sus intentos por verse desesperado, triste y asustado son exagerados y, aún así, son interpretaciones con falta de emoción y no me terminan de convencer, lo cual me pareció crítico considerando que es el personaje principal y en el libro en verdad sentimos su conflicto como algo real. Lo que sí me parece irreal es la inconsistencia de que, en una sociedad donde la lectura ha sido prohibida por años, aparentemente todo el mundo sabe leer y la explicación la sabríamos en la película si no fuera por la eliminación de un personaje que más adelante explicaré.

Linda

En el caso de Julie Christie, quien hace el papel de Linda Montag en la película (Mildred en el libro) y también hace de Clarisse, la joven quien ayuda a provocar la rebelión de Montag, solo había sido escogida como Linda inicialmente, pero luego Truffaut decidió plantear a estas dos mujeres como "dos lados de la misma moneda" y haciendo el contraste entre ellas algo más emotivo ya que ninguna de ellas es capaz de acplarse a la sociedad como tal y que Montag intenta buscar características de Clarisse en su esposa. Claro que esta decisión es bastante útil en cuanto a los cambios que hizo Truffaut a la historia en su adaptación.
En el libro, Clarisse tiene 16 años y se escapa de la secundaria por ser tediosa y poco intelectual en cuanto a sus métodos educativos. Más adelante, cuando intenta huir de los bomberos, es atropellada por un auto. En la película, ella tiene 20 años y trabaja como maestra en una primaria pero es despedida por sus métodos poco ortodoxos de enseñanza por promover las discusiones y ser "antisocial". En esta versión, logra huir de la policía que investigaba a su tío y a ella, luego ella se encuentra con Montag en el bosque donde viven los Hombres-Libro. El mismo Ray Bradbury dijo preferir esta versión el que Clarisse sobrevive y tomó ese final para su adaptación teatral de su historia. Encontré en muchas otras reseñas críticas fuertes que decían que con esta película pudieron al fin confirmar que Julie Christie era una pésima actriz, sin embargo, no creo que sea algo absoluto y rotundo. Su papel como Linda es más hueco de lo que el personaje exigía y su actuación fue bastante forzada e irreal en cuanto a sus expresiones tanto faciales como auditivas pero en el caso de Clarisse, si logré sentir su curiosidad y picardía hacia Montag, poniéndose como joven juguetona (que en verdad es con sus originales 16 años en el libro) y también sentí su angustia al escapar y encontrarse entre los Hombres-Libro. Lo que sí siento que le faltó fue una mayor cantidad de rebeldía en ella, después de todo su actitud rebelde es la que lleva a la curiosidad de Montag por los libros. El personaje de Clarisse también permite que su muerte se evite debido a que ella completa el rol de un personaje del libro a quien básicamente reemplaza, un ex-profesor de inglés llamado Faber.

Montag y Clarisse con un Hombre-Libro

Él es a quien acude Montag para poder comprender los libros. Montag toma una copia de la Biblia de la biblioteca secreta de la señora a quien atrapan y de cierta manera obliga a Faber a ayudarle poniéndole un audífono para que Faber le pueda guiar en la lectura.

El Capitán

El personaje que si me convenció del todo, y tal vez demasiado, fue el de Cyril Cusack, quien interpretó el papel del capitán de los bomberos. En verdad logré sentir la combinación perfecta entre un padre preocupado y un jefe que representa a la perfección al Estado que aplica disciplina dura y estricta.Su encasillamiento en su manera de pensar es algo que nos provoca rabia, tristeza y lástima. Rabia por su manera errática y algo cruel de actuar al condenar a la lectura de maneras severas y exageradas sin siquiera pensarlo profundamente; se siente como quien negara algo que sabe que es verdad. Al menos sabemos que su crueldad es limitada ya que, a pesar de haber hecho que Montag quemara sus propios libros con actitud sarcástica, él se negaba a prender en fuego la montaña de libros en la que se paraba la señora que ocultaba una biblioteca. Su odio está dirigido solo hacia la palabra escrita y no las personas, hayan o no leído, porque está consciente de que son seres humanos al fin y al cabo. Provoca tristeza y lástima por su costumbre a no pensar por sí mismo, piensa lo que el gobierno ha dictado a todos que deben creer pero se nota que, en algún momento, amó y comprendió el contenido de los libros. Su cara nostálgica cuando ve ciertos libros es interesante pero inmediatamente se convierte en una mueca furiosa y sarcástica. Esto que sentí lo logré confirmar al investigar las diferencias entre el libro y la película; en la versión de Bradbury, el capitán le revela Montag que el alguna vez fue un gran fanático de la lectura y que por eso tiene tantos conocimientos de los libros. Aprovecha este dato para convencerlo de la maldad de las palabras, claro. Pero vemos esta faceta paternal de él al estar pendiente de Montag y tenerle más consideración, compartiendo experiencias personales con él.
Según el libro, después de que Montag es obligado a quemar sus libros, el capitán descubre el audífono por el cual Faber le ayudaba. Al huir de su casa. Montag se encuentra con Faber y se ponen de acuerdo en encontrarse en los bosques de las afueras donde viven los amantes de los libros llamados Hombres-Libro, que dedican su vida a memorizar un libro específico cada uno para cuando la sociedad decida retomar la lectura, ellos puedan dictar los escritos para poder revivirlos.

Algo que muchos otros criticaron, de manera tanto positivo como negativa, es la falta de ambientación verdaderamente tecnológica en la película. El libro plantea un mundo bastante futurista pero de él solo logramos ver las pantallas planas y el camión de bomberos extraño. Esto tiene sentido ya que Truffaut siempre se había dedicado al realismo, por lo cual decidió ambientarnos de la manera mínima necesaria y enfocarnos en el desarrollo emocional y personal de cómo vivirían las personas en un mundo con tal opresión. El detalle tecnológico que siento que enriquece al libro, pero no es ni mencionado por Truffaut, es "El Sabueso", un robot de ocho patas que pertenece a los bomberos y está programado para rastrear a personas e inyectarles procaína (un anestésico).
Al final de la película, Montag se memoriza el libro de Cuentos de Misterio e Imaginación de Edgar Allan Poe, que tomó de la biblioteca secreta, recitándolo en voz alta como los demás. Como había escrito antes, originalmente el toma la Biblia y al final se memoriza el Libro de Ecclesiates; también el método de memorización de los libros es distinta, ya que las personas en realidad usan tecnología para poder aprendérselos.

*SPOILER ALERT*
Cuando la mujer con la biblioteca se suicida quemándose con sus libros, la actuación de la señora me parece patética, como que no encontró qué hacer con ella misma y la manera en que se tira es muy cómica. Esta parte, que es la más crítica e impactante en toda la historia, siento que fue muy pobre, y creo haberlo confirmado con el hecho de que mis compañeros no reaccionaron a esa escena, cuando en verdad debería provocar horror y dolor.

En la película solo se menciona brevemente que hay una guerra ocurriendo cuando en el libro, luego de que Montag escapa, la guerra provoca la completa destrucción de la ciudad donde vivía. Finalmente, los Hombres-Libro regresan a la ciudad para reconstruirla desde cero pero hay algo bastante notable en esto. Según el libro, ninguna mujer sobrevive en la guerra. Sin embargo, en la película, Clarisse sobrevive y vemos a otras mujeres entre los Hombres-Libro memorizando junto a ellos.
Aunque a Bradbury le haya gustado más el final de Truffaut, debo decir que para mí el género de distopía es mejor con tragedia, no necesariamente absoluta, pero esta historia me gusta más con su final original. La tragedia de esa guerra es para mí tan necesaria como el final trágico de 1984 de Orwell en que los personajes terminan con cerebros lavados y faltos de sus memorias y pensamientos. Siento que eso aporta al realismo de la cruel injusticia de la sociedad, la guerra y el ser humano.

*SPOILER END*

Ya en cuanto al aspecto técnico, las tonalidades cálidas que se observan en la casa de Montag me parece que van acorde al ama de casa, que es Linda, con su enfoque vanidoso y material en la vida que es bastante femenino. Ya en el resto de la película se ven colores neutros y opacos que reflejan el semi-comunismo en el que viven la personas. Es genial ver como en medio de todos esos colores, el rojo de los bomberos resalta como la amenaza que es; llama la atención entre las personas no solo por la sirena y el camión y me hizo pensar en la ironía de que los bomberos tengan camiones rojos como el fuego mismo. Pero me gustan los uniformes que se ven como de militares de negro, muy acorde con sus roles más afines a policía "secreta".

Algo lamentable, pero comprensible en este caso, son los pésimos efectos visuales que usan con el libro y los bomberos voladores ya que obviamente se ven los alambres. En esto cabe mencionar el pésimo uso de pantalla verde en esa misma escena en que los bomberos vuelan ya que el tamaño de ellos es enorme en comparación con el paisaje; las proporciones mal hechas causan bastante gracia pero muchos excusan esto por ser la primera película de ficción de Truffaut y por ser de los sesentas.
Para mí, el exceso del estilo sesentero fue un error que le quitó realismo a la época y vuelve la producción algo cliché por no haber puesto tanto empeño en ese aspecto, a pesar de su enfoque realista. Poco después, en los 70s, Steven Spielberg hace la película "Close Encounters of the Third Kind" y logra atuendos futuristas, pero sencillos, y colores más azules como es más propio al género.
Lo que más aplaudo en cuanto a tecnicismos es el hecho de que los créditos del inicio sean narrados porque va completamente acorde a la historia de esta sociedad que es completamente iletrada; esto ya nos va ambientando a la realidad social de la historia. Y no hay nada más que se pueda leer en la película aparte de lo escrito en los libros que aparecen, incluso sus periódicos son en verdad como historietas, puras ilustraciones caricaturescas. Pero, ya por el hecho del surgimiento de la sociedad secreta de lectores, que la película termine con "Fin" escrito en la pantalla da a entender que la palabra escrita gana la guerra al final y que pronto los Hombres-Libro serán necesarios de nuevo.
En sonido, Ray Bradbury tomó la decisión de recomendar a Bernard Hermann como el compositor, que conoció en el set de "Torn Curtian" de Hitchcock. Hermann usó solo instrumentos de cuerda, arpas, xilófonos, vibráfonos, marimbas y glockenspiels para crear su música del "siglo 21". Yo sentí que la música era irritante, y no en un buen sentido de suspenso; la sentí como música barata y cliché de la época (como algo de Hannah-Barbera para niños). A pesar de que tiene su mérito por usar instrumentación peculiar, no sentí lo que debí haber sentido. Las canciones me gustan para un género fantástico que tenga que ver con magia y algo levemente oscuro y la siento muy típica música orquestal para película. Simplemente no se destaca ni me marca, a pesar de que hayan varias piezas.

La verdad, en general, sabiendo cómo va la historia según el libro, la película no me gusta, pero tampoco la odio. Tiene sus puntos buenos pero siento que se deben más a que la historia de Bradbury es genial. A pesar de eso, admiro la capacidad de Truffaut de adaptar la historia a película sin matarla en verdad.
Espero la miren y que lean el libro para que ustedes me digan si concuerdan o no conmigo y, más que nada, por cultura general ya que tanto la película como el libro han sido criticados positivamente. (Decidí omitir detalles impactantes e interesantes para motivarlos a ver la película o leer el libro, vale la pena.)

Pesadilla de Montag con Clarisse y el incidente de la biblioteca

Spirited Away (El Viaje de Chihiro)

La película más exitosa de Hayao Miyazaki, y la que logró que Studio Ghibli en verdad se convirtiera en un éxito mundial. Fue lanzada en el 2001 y se convirtió en la película más taquillera en la historia de Japón con un total aproximado de entre $270-350 millones de dólares a nivel mundial, derrotando así a Titanic quien ocupaba en puesto de película más taquillera del momento también a nivel mundial. Aclamada por la crítica, la película es considerada una de las mejores películas de la primera década de los 2000 y una de las mejores películas animadas de todos los tiempos. Ganó un Óscar por Mejor Película animada, un Golden Bear en el Festival de Cine Internacional de Berlín 2002 y está entre los "top ten" en la lista BFI de las 50 película que se deberían ver para los 14 años.
La historia nos presenta la aventura tanto física como espiritual de Chihiro Ogino, quien se está mudando de la ciudad al campo, pero en el camino a buscar su nueva casa, su familia se pierde en un bosque donde encuentra un antiguo parque de diversiones abandonado. Al entrar, sus padres encuentran comida en un puesto vacío y, a pesar de ser algo sospechoso, comen de ella. Chihiro explora el lugar y cuando regresa con sus padres los encuentra convertidos en cerdos. En ese momento ve como, al anochecer, el parque está infestado de espíritus de todo tipo y en su pánico por no poder volver al mundo que ella conoce, camina sin rumbo. Eventualmente un muchacho llamado Haku le ayuda dándole comida e información para que pueda sobrevivir mientras logra escapar.
Miyazaki dijo, "Yo creé a una heroína que es una niña ordinaria, alguien con quien la audiencia puede simpatizar. No es una historia en la que los personajes crecen, sino una historia en que ellos sacan algo que ya tren adentro, sacado por las circunstancias particulares. Yo quiero que mis jóvenes amigos vivan así,y creo que ellos también tienen ese deseo."

Chihiro y Haku

La heroína está basada en la hija de un amigo de Miyazaki (quien fue quien lo convenció a no retirarse después de Mononoke) y de ella aprendió como pensaría una niña normal de diez años.
El mayor problema en la producción de la película fue que Miyazaki notó que la historia original tomaría más de tres horas de película, así que tuvo que eliminar varias escenas y hacer la historia sencilla, como es el caso de Chihiro que a pesar de no ser hermosa o particularmente adorable resulta ser una mujer encantadora al final de todo, Pero pienso que esa simpleza y el hecho de que se mire como una persona cualquiera aporta a la esencia del personaje ya que la película nos ayuda a encontrar el valor interior de los individuos más allá de lo que puedan parecer.
La mayoría de los escenarios y la estructura arquitectónica de los edificios se basan en lugares reales de distintas partes de Tokyo y de Jiufen, un pueblo Taiwanés. La inspiración de Miyazaki surgió con unos baños del pueblo donde nació que tenía una pequeña puerta misteriosa que lo hizo escribir muchos cuentos de lo que se imaginaba habría detrás de ella. Los edificios son diseñados según los de la Era Meiji (el período de restauración de Japón desde 1868 hasta 1912) que fue la fase de cambios de Japón de una sociedad feudal a una moderna en la que se crearon conflictos en todo ámbito social por las influencias occidentales que chocaban con la propia cultura japonesa tradicional. Esta influencia marcó grandes cambios arquitectónicos que podemos ver en las estructuras de los lugares en la película que eran japonesas pero occidentales a la vez.

Jiufen

Jiufen

Tokyo

Tokyo

La música de la película recibió varios premios y marcó uno de los más grandes éxitos de Joe Hisaishi con su canción One Summer's Day, que hasta el día de hoy es de las más populares y es tocada en casi cada una de sus giras. También la canción Always with Me, que es la de los créditos finales, como para todas las películas de Miyazaki la marca como la "theme song" que nos recuerda a esta maravillosa historia. El estilo minimalista, experimental pero emotivo de Joe Hisaishi siempre aporta magia y frecuentemente parte de la cultura japonesa a las historias.

Joe Hisaishi

Hay muchas temáticas en la película,ya que Miyazaki siempre se toma su tiempo para hacer de la historia algo enriquecedor para quien la mire. Las experiencias extrañas que vive Chihiro en el mundo de los espíritus han sido comparadas con los cuentos sobre Alicia que escribió Lewis Carroll.
Se refieren a Chihiro como Kamikakushi (escondido por los dioses) que significa, en la cultura japonesa, una muerte social de la que uno puede revivir. El momento en que Chihiro entra al túnel que lleva al parque, ella es introducida a otro mundo y vive Kamikakushi mientras está ahí para poder redescubrirse y madurar a través de las duras experiencias con los espíritus, que detestan a los humanos y le hacen caer en la realidad para dejar de ser una niña mimada y malcriada como lo era.

Yubaba y Chihiro

También hay comparaciones de Yubaba (cuyo nombre me recuerda a la bruja Babayaga de los mitos nórdicos, la diosa del Inframundo), la bruja que manda en los baños, con "The Coachman" de Pinocho por la manera en que transformó a lospadres de Chihiro en cerdos por comerse la comida que era exclusivamente para los espíritus.
La única manera de evitar ser convertida en cerdo es convencer a Yubaba de que la emplee, como lo planeó Haku. Al emplear a las personas, Yubaba las despoja de su identidad, su nombre, y esto las mantiene en su servidumbre ya que es imposible huír del mundo espiritual sin conocerlo, razón por la cual Haku ha servido a Yubaba por años a pesar de querer escapar.
Eventualmente, Yubaba accede a dejar que Chihiro trabaje y le otorga su nuevo nombre, Sen (significa mil y es el primer caracter con el que se escribe el nombre Chihiro).
Esa pérdida de su nombre simboliza la "muerte" de Chihiro como niña que ahora se embarca en el viaje para convertirse en adulta, conectándose con su verdadera "ella" al tener que crear una nueva y renovadae identidad que le permita conectarla a su pasado.
Chihiro no solo presenta este cambio interno de las personas al crecer, sino también los cambios sociales del Japón moderno que olvida su cultura y sus costumbre y se va modernizando al punto de irrespetar a la naturaleza (cosa que es inaudita según las religiones Shinto y Budistas). Este conflicto de Japón que ahora va en busca de sus raíces de nuevo, es algo muy real para Miyazaki quien llora al ver estructuras antiguas por recordarle al verdadero Japón y no ese país cuasi occidental que es ahora. Miyazaki dice que al entrar al parque, Chihiro representa la burbuja económica que revienta en Japón, reforzando el concepto con la glotonería de sus padres. A pesar de verse introducida a este mundo mágico y hermoso, es un lugar oscuro donde la corrupción es latente con sus exceso y avaricia que luego son representados por un personaje llamado No-Face (Kaonashi).

Chihiro y No-Face

Este personaje es uno de los más profundos y atractivos según mi opinión. Es quien me provoca más repulsión y a la vez el más conmovedor de todos. No-Face es un espíritu desconocido que al inicio aparece traslúcido y se desvanece aleatoriamente. Chihiro lo ve en su primer noche de trabajo afuera de los baños debajo de la lluvia y le abre la puerta para que no se mojara. No-Face se siente fascinado por la pequeña humana y rápidamente se obsesiona con ella, siguiéndola sin que ella sepa y ayudándole a conseguir tokens especiales para conseguir agua con minerales especiales para un cliente especial, un espíritu gigante lleno de lodillo apestoso que nadie más quiere atender. Estos tokens permiten que Chihiro cumpla con el trabajo y le ayudan a descubrir el manubrio de una bicicleta que sale del cuerpo del espíritu. Al halar de ella sale como un río de basura humana que contaminó al espíritu que ahora se revela como un espíritu de río que había sido ensuciado por descuido (y aquí vuelve Miyazaki con sus temas ambientales). El espíritu pagó con mucho oro y todos los empleados, a excepción de Chihiro, pelean por él mientras No-Face los observa en silencio desde un rincón. El pobre espíritu, en sus esfuerzos de atraer la atención de la niña, se come a un sapo usando oro de carnada, habiendo aprendido su valor, y obtiene su voz, personalidad y su apariencia, dentro de lo que cabe. Con su nueva personalidad tan destructiva y corrupta, en contraste a la anterior que era tímida, se sale de control y comienza a solicitar comida a cambio de oro, que puede crear en sus manos. Eventualmente, en su furia por no ver que Chihiro se le acerque, comienza a comerse a los empleados que lo atienden mientras la llama. Cuando Chihiro aparece y no acepta el dinero que él le ofrece, No-Face revela su verdadera cara y comienza a comerse a casi todos en su camino luego de hacer que pelearan por un pedazo de oro.
Chihiro luego busca a No-Face ya que Yubaba ocupa que lo detenga de comerse a todos y, al rechazarle el oro de nuevo y decirle que él no le puede dar lo que en verdad quiere, la persigue en su furia. Chihiro luego le da un dumpling para que se lo coma, que había sido regalo del espíritu del río, y lo hace vomitar todo lo que había comido (intacto, claro). Así No-Face vuelve a ser el espíritu pacífico que era antes.
La corrupción de las personas en los baños y la influencia en No-Face son aún más evidentes cuando Chihiro viaja a Swamp Bottom para salvar la vida de Haku, donde encuentran a la gemela de Yubaba, Zeniba. Ellas son contrastes completos, con Yubaba siendo la bruja odiosa y cruel y Zeniba siendo una anciana dulce y tranquila que vive sola costurando.

No-Face y Chihiro con Zeniba

Como siempre, Miyazaki nos logra mostrar las dos facetas de la sociedad y de las personas; cómo no hemos convertido en materialistas, egoístas y groseros, cuando en verdad por dentro todos tenemos bondad y compasión. Sus historias siempre están llenas de amor por la humanidad, la cultura, la naturaleza y por los cambios espirituales.
Hay un detalle importante que cambia en la traducción a inglés, que se hizo por diferencias culturales, al final de la película, en la apuesta por su libertad,si Chihiro falla las consecuencias originales son que ella tendrá que matar a Haku y cortarlo en pedazos mientras que en la versión en inglés solo le dice que se quedaría atrapada como empleada en los baños por toda la eternidad.

Rotten Tomatoes le otorgó el ranking como la décimo tercera mejor película animada y en IGN alcanzó el puesto 12. En Metacritic consiguió el puesto 9 de "highest-rated movies of all times", siendo la mejor de las animadas de manera tradicional. También consiguió el puesto número 10 en Empire Magazine en la lista de "100 mejores películas en el mundo del cine".
Fue nominada a 6 diferentes premios y los ganó todos.
Habiendo dicho esto, espero que quieran verla y si ya la han visto, espero que aprecien los detalles pequeños que no habían notado hasta ahora.

Disfruten:

https://www.youtube.com/watch?v=ZJ7ymWBf7XE Making of 1

https://www.youtube.com/watch?v=OgxZzU1fctQ Making of 2

http://www.watchanimemovie.com/sub-dub/spirited-away.html  Película

Tributo a Robin Williams

Aquí comparto un tributo de imágenes de sus momentos y frases más icónicas, también con frase de conmemoración de otros artistas.
 https://www.wevideo.com/view/228154416
Esperemos que descanse en paz y su familia y amigos se recuperen de esta pérdida.

Juan de los Muertos

Esta película cubana de comedia negra escrita y dirigida por Alejandro Brugués por fin encontró una manera de plantear críticas a la naturaleza humana, a la sociedad y a la política de manera original. Y, sinceramente, ¿quién se esperaba ver a Cuba infestada por zombies?

La idea de la película es bastante buena, mostrándonos pensamientos nacionalistas como anticomunistas en una crítica satírica pero de manera ocurrente y burlesca a la vez que nos muestra a un grupo de personas desinteresadas cuando se trata de otros. El comportamiento de los personajes es puramente latino, en su momento más honesto e incluso ordinario. A pesar de no ser cubana, sentí familiaridad con ellos porque me recordaban a muchas personas que uno encontraría en la calle cualquier día, esto le agrega algo de credibilidad en cuanto a sus actitudes. Claro que hay aspectos exagerados para fortalecer el elemento cómico, como sus destrezas en combate, pero eso viene con el género.

Las referencias bastante directas al comunismo y a los "yanquis" son ingeniosas y algo irónicas, como el hecho de que se refieran a los zombies como disidentes por la farsa esparcida por los medios de que el evento es en verdad una rebelión organizada por los Estados Unidos. Se hace una crítica más profunda al conflicto entre países cuando el pastor "yanqui" los salva de una horda de zombies y luego trata de compartir su plan para que todos de salve y luego, accidentalmente, Lázaro lo mate. Esto bien representa los intentos de Estados Unidos de acercarse a Cuba para llegar a acuerdos que han sido brutalmente rechazados por simples cuestiones ideológicas.

Gag Manga Biyori

Según un análisis que leí, el hecho de que los ciudadanos se hayan convertido en zombies podría ser una metáfora de como latinoamérica a veces pierde su voluntad y opinión y simplemente se deja llevar por la corriente política que, muchas veces, nos lleva al caos y la miseria, creando un estado de degeneración que puede asimilarse a la de los zombies. Esta opinión me pareció muy interesante; y al investigar sobre los comentarios del director leí que este mismo fuer su propósito para plantear a los zombies,; verlo desde ese punto de vista creo que le agrega al mensaje social y político que nos transmite esta película. En cuanto a la naturaleza humana, se muestra tanto como un lado piadoso (aunque algo forzado) y un lado horrendo. Cuando Lázaro asesina al hombre que le debe dinero, me remitió a un manga de "gag comedy" en el que ocurre el fin del mundo y un programa de televisión decide hacer entrevistas a celebridades que han sido figuras a seguir. Muestran a un representante de una ídolo pop que era muy respetable y formal ahora como un señor irrespetuoso que dice odiar la música de la cantante y siente tanto desinterés a la vida que decide aparecer sin ropa. Luego la ídolo misma, que se supone que es una adolescente energética, gentil y dulce, aparece fumando diciendo que mintió sobre su edad y ha cometido tantos actos denigrantes. En fin, así va sucediendo hasta que resulta que se ha evitado el fin del mundo. Inmediatamente las celebridades vuelven a comportarse y a lucir como lo hacían habitualmente y el entrevistador reflexiona en como el ser humano muestro su peor lado cuando siente que no tiene nada más a que aspirar. Creo que es muy real el hecho de que en momentos desesperados en que no tenemos salida y sentimos presión, mostramos lo peor de nosotros mismos, pero es increíble como los personajes siempre fueron transparentes y mostraron lo peor de sí. Claro que Juan salva a un niño al final, pero creo que esto fue para que el personaje principal no fuera en extremo antiheroico. Las reacciones que tienen hacia la invasión también son auténticas, según dice el director, los cubanos solucionan sus problemas de tres maneras: haciendo negocio con ellos, acostumbrándose y aceptando todo lo que venga o huyendo al mar de cualquier manera con lo que también menciona que las valsas, los carros flotantes y los autobuses que se estrellan dentro de embajadas son realidades que mira día a día tanto como las quejas y las dificultades de las personas.

Las escenas de acción son bastante cómicas en sus momentos y con efectos falsos y exagerados pero esas escenas, e incluso escenas en que hay diálogos, se alargan demasiado. Esta historia se pudo contar en un mediometraje igualmente cargado de acción, crítica y comedia, pero lamentablemente se mantuvieron estas escenas largas que no tienen propósito alguna y hacen que la historia se estanque por falta de subtramas y por crear situaciones al azar que no se resuelven ni tienen alguna relevancia en el progreso de la acción. El humor y las peleas llegan a ser repetitivas y aburridas en varios puntos y los diálogos muchas veces simplemente son vulgares sin más que ofrecer.

Sin embargo, estos detalles narrativos no le quitan su mérito a la película y esto lo prueba el Goya que ganó en el 2012. Otros detalles que deben resaltarse son la fotografía y el sonido. Los colores van perfectamente con el tema y la imagen es nítida. Hay una variedad de planos para resaltar acciones o detalles y es sorprendente cuántos extras consiguieron.

En cuanto al audio, siento que fue bastante acorde con las actitudes de los personajes y el tema. Por último, comentaré los créditos finales que fueron muy buenos y tuvieron buenas referencias. En cuanto al estilo de cómic que utilizan en los visuales, es genial como vincularon el tema de zombies con sus mismos seguidores de culto, ya que el género es más fuerte en historietas, video juegos y animaciones. A la vez es una posición irónica que haría parecer que se compara a Juan a los superhéroes que tienden a ser representantes de la moral y el bien para las sociedades, a la vez que es una cultura bastante estadounidense esa de los héroes y los valores. La ironía con las referencias "yanquis" sigue con la versión rockera de My Way de Paul Anka interpretada por Sid Vicious, cuya versión pesada y animada que contrasta con las otras canciones utilizadas tan latinas y bailables. La letra habla muy bien de la decisión final de Juan y su actitud en general hacia la vida, pero hacer referencia a un clásico estadounidense y los cómics se siente como algún homenaje indirecto del director al género zombie que proviene de allí.

https://www.youtube.com/watch?v=rDyb_alTkMQ - My Way, Sid Vicious

The Invention of Love

Un cortometraje popular hecho por Andrei Shushkov que, como muchos otros artistas, plantea el conflicto de la humanización contra la industrialización y la tecnología. El título es bastante irónico ya que se refiere tanto como al origen del amor entre los dos personajes, que vino de la maravilla de un caballo mecánico, y literalmente la construcción del amor, considerando que el hombre es un inventor y así trata de crear un mundo perfecto. Pero ese mundo que creyó tan perfecto terminó por arruinar su vida.

Maison Tournante Aérienne

La historia se desarrolla en el género Steampunk, un subgénero de la ciencia ficción que se concentra en la utilización de máquinas que funcionan a vapor, especialmente en las zonas industriales del oeste en el siglo 19. Las historias tienden a crear realidades alternativas de la época Victoriana en Inglaterra o el salvaje oeste americano, futuros post-apocalípticos dependientes de tecnología o mundos de fantasía con máquinas. Este género es bastante amplio debido a sus distintos enfoques; se puede adoptar un ambiente de terror, fantasía, histórico u otras ramas de la ficción especulativa con el género, haciéndolo reconocible pero flexible.

Al buscar información sobre el género encontré una ilustración interesante: "Maison tournante aérienne" (casa aérea rotante) por Albert Robida para su libro Le Vingtième Siècle, una concepción del siglo 19 de la vida en el siglo 20. Esta imagen me hizo preguntarme si Shushkov imaginó el concepto de la casa en el cortometraje basándose en esta ilustración ya que se parecen muchos (a excepción de que le hacen falta más gradas y un bosque alrededor). Mientras que el Steampunk puede utilizarse para mostrar las maravillas de la tecnología, generalmente ha sido utilizado como género de crítica a la deshumanización que sufre la sociedad en general desde el surgimiento de la revolución industrial. Y tal es como lo plantea Shushkov también.

Títeres Karate Kid

En cuanto a lo visual, me recordó a los títeres de cartón que utilizan en las obras Chinas, como lo muestran en la última versión de Karate Kid. Me agrada que el creador del corto supiera ver la profundidad de este arte, como decimos en la carrera, "menos es más". Y es que lograr expresar tantos sentimientos y mensajes sin ningún diálogo y sin mostrarnos siquiera algún detalle visual de la escenografía y de los personajes es algo que requiere talento e ingenio. El hecho de que causara el impacto que quería sin detalles quiere decir que la historia habla por sí misma y no requiere de apoyo complejo para contarse y para conmover. A la vez, la animación me recordó a la utilizada en Harry Potter and the Deathly Hallows Pt. 1 para mostrar la historia de los tres hermanos. En parte por la temática oscura y agridulce, pero más que nada por los diseños de escenografía y personajes. Ahora, en cuanto a color, si tienen una diferencia. En el caso de Harry Potter ahora me doy cuenta que le hizo falta algo que Shuchkov si implementó y muy bien y eso era el cambio de colores en el fondo. Shushkov aprovechó el contraste de los negros de los títeres y logró ambientarnos aún más en la historia, magnificando los sentimientos con ellos. Vemos el contraste entre el mundo natural y limpio de la mujer con el cielo de color azul y el mundo de máquinas que crea su esposo que convierte el cielo en una color amarillento que refleja su contaminación tanto literal como la espiritual.

La Historia de los Tres Hermanos

Se equivocarían quienes clasificaran este corto como una simple historia romántica cuando en verdad su verdadero mensaje va mucho más allá que eso y toca temas que nos conciernen más ahora que nunca.

En resumen, la historia trata de un inventor que busca el amor pero ha dedicado toda su vida a crear máquinas. Al salir de paseo en un caballo de su invención, encuentra a una mujer que anteriormente admiraba las estrellas y el campo de rosas donde se encontraba. Fascinada por la máquina, ella monta con él, después de que él le regalara una de las rosas. Eventualmente ambos se casan y ella se muda con él a la ciudad. Todo comienza bien hasta que, algo cansada de ver a su esposo trabajando en máquinas todo el tiempo, decide dar un paseo por la ciudad sola. Al salir se horroriza al notar que todo en el lugar es mecánico, desde los edificios hasta las pequeñas mariposas. Habiendo vivido en el campo y en la naturaleza real, se siente asustada y deprimida por la situación mientras en casa, su esposo nota que la rosa que conservó su pareja se marchitaba y decidió lanzarla al patio y contruírle una flor. Ella se deprime y enferma por la contaminación causada por el vapor de las máquina y muere poco tiempo después. En su desesperación, sabiendo que sus máquinas fueron la causa de la muerte de su amada, el hombre decide crear una versión robótica de su esposa pero pronto se da cuenta que aunque luce como ella, solo es un cuerpo vacío y sin amor, como sucede también el la historia de los tres hermanos de Harry Potter cuando el segundo hermano se suicida porque, al revivir a la mujer con quien se casaría, ella se volvió loca por saber que no pertenecía a ese mundo. Vemos que en ese final, con el fondo blanco que representa el vacío del corazón del mismo hombre causado por la muerte de todo a su alrededor, él se voltea para no poder ver a su creación. Esto da a entender que le repugna todo lo que hizo y se arrepiente con el alma, causando lástima por el personaje. Pero hay un conflicto de sentimiento ahí también, compartimos la repugnancia de él hacia el robot de su esposa y su intento en vano, pero a la vez entendemos el dolor que lo llevó a intentar revivirla a su propia manera.

Este final, que nos muestra que la vida es irreemplazable, única y preciada pero que, a pesar de saberlo, lo olvidamos y empezamos a valorar más lo material y la mejora de esos objetos que tenemos, es una lección que sirve de mucho para las generaciones de ahora que se consumen más en sus tabletas o celulares que en relacionar siquiera con sus propias familias. Hay cosas que simplemente, no importa cuánto intentemos, nunca será lo real. No cumplirá su propósito como debe ya que carecerá de características que nosotros simplemente no podemos reproducir. Es como pensar en el mundo sin agua. Pero no se limita a lo terrenal, las relaciones que tenemos con otros son igualmente irreemplazables.

Nine

Full Metal Alchemist

No es como en Wall-E, Nine o una serie que miré a finales de primaria llamada Saber Marionette J (integran partes del alma humana en robots femeninos que terminan comportándose como verdaderas humanas hasta que se convierten en unas). No podemos esperar que la tecnología se convierta humana, no es lo mismo y la ficción de ese tipo simplemente no se logrará, para empezar porque no somos Dios como para crear vida. Ejemplos de eso son otras series que me gustan mucho: Fullmetal Alchemist y D. Gray Man. La primera historia se basa en las historias antiguas de la creencia de los alquimistas de poder revivir a las personas y ocurre tras la revolución industrial europea. En ese programa, los alquimistas creen en una ley de intercambio equivalente, por cada cosa que se da o pierde, se recibe algo a cambio. Dos niños pequeños pierden a su madre y deciden revivirla usando alquimia para lograr transmutación humana. Al hacer su intento, uno de ellos pierde su brazo derecho y su pierna izquierda, mientras el otro pierde su cuerpo entero y su hermano lograr salvar en el último minuto el alma de él, sellándola a una armadura. Después de eso se dan cuenta que su madre solo fue parcialmente revivida, asimilándose más a un humano mal formado y más tarde se convierte en un homúnculo, humanos creados artificialmente por medio de alquimia y que, en la serie, representan uno de los siete pecados capitales. En el caso de D. Gray Man, un hombre llamado Millenium Earl crea esqueletos metálicos para que las personas revivan a sus seres queridos llamando a sus almas de la muerte para que vivan en los esqueletos. Sin embargo, al revivirlos, los esqueletos se ven obligados a seguir las órdenes del Millenium Earl y matar humanos aunque sus almas sufran por dentro y no puedan ser liberadas sin ayuda. Estos tipos de resurrecciones crueles y tortuosas, aunque más reales que las del corto, nos siguen mostrando el pecado de la creación de la vida y como esa sería una farsa muy distorsionada y enferma de lo que en verdad son los seres humanos.

D. Gray Man

La música del corto aporta a cada uno de los sentimientos a lo largo de la historia aún siendo bastante sencilla y siento que, aunque no nos guste el romance, este corto debe ser compartido y visto para poder profundizar en estos temas tan delicados y humanos.

The Tale of the Three Brothers: https://www.youtube.com/watch?v=bN1_h_eGitE 

Princess Mononoke

Esta es la novena película hecha por Studio Ghibli y es una historia de fantasía y aventura épica de período escrita y dirigida por Hayao Miyazaki con Toshio Suzuki como productor. La película salió a los cine japoneses en 1997 y a los estadounidenses en 1999. Fue la película más taquillera en Japón en 1997 y había sido la película más taquillera en general hasta la llegada de Titanic (que luego fue superada por la película de Miyazaki, Spirited Away, la siguiente de Ghibli que criticaré). A pesar de haber sido superada, su éxito en el oeste llegó gracias a las ventas de VHS y DVDs que pusieron a Ghibli en el mapa para la audiencia estadounidense.

La historia ocurre a finales del Período Muromachi (entre los años 1337 y 1573), muy conocido por las guerras territoriales y el interés renovado en el Shintoísmo. Este cambio es histórico, ya que en el presente la religión Shinto es la más grande en Japón. Antes de este cambio, el Shinto casi fue absorbido completamente al Budismo, pero debido a los conflictos que surgieron con China e India crearon la necesidad de reforzar su identidad nacionalista con el concepto de que el emperador era una deidad y que históricamente la naturaleza divina de Japón y su espiritualidad eran supremos por sobre los dos países rivales. Esto enriquece a la historia con elementos históricos reales, las guerras territoriales que sucedían al mismo tiempo que más creyentes regresaban a las creencias en los espíritus y los dioses de la naturaleza y su influencia en el mundo terrenal. Este conflicto se encarna perfectamente en la existencia de San, la llamada Princesa Mononoke, un término que significa espíritu o monstruo. También es interesante ver la existencia de los Emishi en la película, quienes en vida real sí fueron una tribu aislada en Japón por haber desarrollado su propio lenguaje y, en general, su propia cultura. Tal y como en la realidad, este pueblo aislado fue sometido a cambios forzosos que ocurrieron en todo Japón.
La historia, en resumen, trata de Ashitaka, el príncipe Emishi, quien es enviado a resolver la guerra entre los dioses de los bosques y los humanos que consumen el bosque para obtener los recursos que "necesitan". Todo comienza con un dios del bosque llamado Nago, un jabalí enorme, que está cubierto por lo que podría interpretarse como la encarnación de la corrupción que lo está matando lentamente y lo ha convertido en un demonio. Nago corre hacia la aldea Emishi y Ashitaka pelea contra él para detenerlo, lamentablemente, el brazo derecho de Ashitaka entra en contacto con la corrupción que infecta la piel de Nago y su brazo queda maldita. La infección le deja una cicatriz que lentamente se esparcirá por su cuerpo hasta lograr matarlo, pero a la vez, le otorga poderes sobrenaturales de un demonio. Por ser infectado por un demonio, Ashitaka es exiliado de su aldea, pero le informan que han encontrado una bola de hierro dentro del jabalí. Sabiendo que esa fue la causa de su muerte y su conversión y ahora el deber de él es viajar al oeste, de donde venía Nago, e investigar qué sucedió y tal vez encontrar una cura a su maldición.

Kodama

Me pareció algo cruel que los Emishi tuvieran que sufrir por la falta de respeto de otros pueblos, pero eso en verdad pudo haber pasado. A pesar de esto, lo más sensato era enviar a alguien que en verdad siguiera respetando a los dioses para poder ser el mediador perfecto para detener el conflicto.
Más adelante, me encantó la primera aparición de los Kodama (espíritus de los árboles).  Esos personajes están entre lo más populares de Miyazaki que se han vuelto icónicos de entre sus películas. Ahí también podemos ver por primera vez la manera de pensar de los humanos que han declarado. Se nota que temor extremo por los espíritus tiene raíz en su propia ignorancia sobre ellos. Creen que son estúpidos al interponerse en el camino del desarrollo industrial, cuando en verdad velan por el bienestar del balance del mundo al cuidar de lo terrenal. Este punto de vista se refuerza con la llegada de Ashitaka al Pueblo de Hierro de la dama Eboshi. Ahí, Ashitaka nota la armonía en el pueblo y como muchas personas que previamente vivían una vida de mala muerte o que sufrían de Lepra  (enfermedad que plagó a Japón por muchas eras y fue raíz de muchos muertos a través de su historia) fueron salvadas por Eboshi. Ella también otorgaba un rango de superioridad a las mujeres, enseñándoles a utilizar armas y confiándoles los roles más importantes y exigentes trabajando en las fábricas de hierro. A pesar del refugio que ha proveído Eboshi para tantas personas previamente desafortunadas, no minimiza sus pecados. Aquí es donde se notan dos de los temas que más toca Miyazaki en sus películas, el feminismo y la concienciación sobre los problemas del medio ambiente.

Eboshi

Princesa Mononoke

Eboshi le confiesa a Ashitaka que eliminó los bosques para poder conseguir arena para fabricar su hierro y tuvo que deshacerse de Nago, ya que él intentaba luchar contra sus intentos de destruír el bosque. Así Ashitaka se entera de su odio y falta de temor a los dioses y el hecho de que ella le disparó a Nago y ahora es perseguida por Moro, un espíritu lobo del bosque, y sus hijos. Peculiarmente, uno de sus hijos es la Princesa Mononoke, una humana criada por Moro que tiene un rencor contra la humanidad. Este rencor nace de una muy buena razón, que no diré, pero si muestra ese odio que algunos sienten por los demás humanos al saber que somos los responsables de la destrucción de todo, incluso nosotros mismos.
Ashitaka, sabiendo que la raíz del conflicto en verdad recae en Eboshi por su falta de respeto a los dioses, entonces decide conocer a la princesa lobo para lograr comprender como una diosa tomaría a una humana como su hija y por qué ella se consideraría más una loba que una humana.
Su oportunidad llega cuando ella se infiltra en el pueblo para intentar matar a Eboshi. Ashitaka se interpone en su lucha y logra salvar a ambas, pero al intentar irse del pueblo con la princesa, le disparan y está moribundo. La princesa decide llevar a Ashitaka al bosque para probar suerte porque tal vez el dios del bosque podía salvarlo. Y así sucedió, y eso fue interpretado por Moro y su clan como mensaje de que Ashitaka tení algo importante que lograr, a pesar de su maldición. Algo que me pareció conmovedor fue Yakul, el alce del príncipe, porque aún cuando fue liberado por San, él siempre se mantuvo fiel a su amo y amigo e incluso llegó a arriesgar su vida por su devoción a él, tal vez sabiendo del valor y el corazón puro de su amo. Esto de nuevo me recordó a lo increíble que son las mascotas, como dije en el análisis de Historias Mínimas.
Me gusta también como Miyazaki plantea la maldad y la corrupción en sus historias, y ésta no es una excepción. En el anime, muchas historias, especialmente ahora, tratan esos temas de la corrupción humana y de la maldad innata que tenemos en nuestro interior y algunas veces proponen al "héroe" bastante humano con cierta maldad también. En este caso, los humanos son los más corruptos con su sed de poder y sus ambiciones sin límites; está Eboshi con su necesidad de dinero, tierra y dinero, los monjes que desean probar su poder y subir es estatus social y está el emperador mismo que pide la cabeza del dios del bosque para poder obtener inmortalidad. Aunque ambos lados caen corrupción, el origen de la maldad de cada lado es completamente distinta así como sus intenciones. Los jabalíes comienzan tratando de salvar a la naturaleza y se vuelven corruptos por las balas y luego por el odio que los humanos hacen crecer en sus corazones, mientras en el lado de los humanos tomó mucho para lograr que los trabajadores del pueblo entraran en razón. Hasta después de haber matado a los jabalíes pequeños lograron entender la gravedad del asunto, mas o menos. Pero en el caso de los monjes, irónicamente, nunca comprendieron ni se rindieron aún viendo las consecuencias de sus acciones y Eboshi, sabiendo que estaba siendo manipulada, aún así intentó mostrar su poder como mujer independiente y líder y se atrevió a disparar. Así que, aunque ambos lados tuvieron sus momentos de maldad, sus razones eran muy distintas. Pero, como toda historia de Miyazaki, nos garantizó un final feliz en el que los humanos se arrepienten de sus acciones y volverán a comenzar desde cero sin dañar al medio ambiente y, aunque San y Ashitaka no pueden vivir juntos, terminan estando juntos (Miyazaki tiene una necesidad de poner romances extraños y prontos pero no molestos).

Moro y Nago

La profundidad de su temática, que es más pesada de lo usual para una película infantil, es una de las características que hizo de esta película tan popular. Esta película es de las que más logró llegar a la audiencia adulta por la manera de desarrollar la historia de manera muchos más directa. Sin embargo, crear la historia no fue tan sencillo. Miyazaki comenzó a hacer bocetos a finales de los 70s y a escribir y dibujar el storyboard a finales de los en 1994. Tuvo que adaptar sus ideas por haber utilizado elementos de la historia en Mi Vecino Totoro y por los cambios sociales que sucedieron en el tiempo que le tomó aclarar la historia en su mente. En 1995, Miyazaki junto con el animador supervisor, Masashi Ando, fue al bosque Yakushima en Kyushu, que lfue la inspiración de los paisajes para Nausicaa y también fueron a las montañas Shirakami-Sanchi por tres días con más artistas involucrados en la producción. De ahí surgió el concepto visual para el bosque del dios venado.
El concepto del Pueblo de Hierro vino de los Westerns del director irlandés-americano, John Ford. Esto inspiró su idea que se alejaba del Japón medieval y se acercaba, en cambio, a los inicios de la industrialización con minorías de rechazados en un pueblo apretujado. 

Pueblo de Hierro

También se experimentó con animación computarizada en medio de toda la animación tradicional. A pesar de solo haberla utilizado por cinco minutos de toda la película, mientras se usaron diez minutos de pintura digital, la utilización de esta técnica fue exitosa ya que permitió la animación impactante del Nightwalker y de la reacción del brazo maldito de Ashitaka al enfurecerse cuando San y Eboshi se enfrentan el el Pueblo de Hierro.

Curiosamente la película me recordó a otra de anime que descubrí hace un par de meses llamada La Leyenda del Dragón Milenario (dirigida por Hirotsugu Kawasaki y basada en la novela de Takafumi Takada) y pienso que puede que esté basada en Mononoke. Comparte las temáticas del cuidado del medio ambiente y de los conflictos entre el mundo de los espíritus y los humanos que buscan poder. Pero una escena específica me recordó a ella. El momento en que el Nightwalker corruptor crece hacia el cielo y se expande, cubriéndolo, es casi idéntica a la manera en que el dragón milenario se transforma cubriendo el cielo de agua y expandiéndose para atacar la tierra. Si tienen tiempo pueden encontrarla para compararla.
Al final, y como siempre, Miyazaki se sale con la suya al diseñar personajes impactantes y memorables como los Kodama y el dios del bosque (que a mi parecer muestra el potencial de Miyazaki como creador de seres mitológicos y como un gran dibujante).
Esta película deja lecciones importantes de maneras inolvidables y vale la pena verla, tanto que hicieron una adaptación teatral de la película. ¡Disfruten!

http://www.watchanimemovie.com/sub-dub/princess-mononoke.html

(La Leyenda del Dragón Milenario:)

http://animeflv.net/ver/la-leyenda-del-dragon-milenario-1.html
http://tu.tv/videos/la-leyenda-del-dragon-milenario_1