Kyoukai no Kanata (Beyond the Boundary)

Storyline:

Kuriyama Mirai entra a una nueva secundaria con un propósito: matar a su senpai, Kanbara Akihito, quien resulta ser un humano mitad youmu, característica que lo vuelve inmortal.

El director, Ishidate Taichi, contribuyó con las animaciones del opening y el ending de la serie y también ha trabajado en animes como: Air, Clannad y Clannas After Story, Free!, Full Metal Panic Fumoffu, Inuyasha, K-ON!, Lucky Star y The Melancholy of Haruhi Suzumiya, entre otros, realizando roles de director, animador y realizador de storyboards.  Las animaciones del anime fueron realizadas por Hanada Jukki, quien también realizó las de No Game No Life y Steins; Gate, entre otros. 

Una de mis primeras observaciones sería acerca de la habilidad especial de Kuriyama Mirai que nos presentan desde el primer episodio, el poder de manipular su sangre para convertirla en una katana.

La primera referencia que me vino a la mente fue Blood +.

Comparar la habilidad de Saya y la de Mirai es algo curioso; mientras Saya debe cubrir la hoja de su katana con su sangre para matar a los Chirópteros con solo el contacto de su sangre con ellos, Saya no era muy habilidosa, por lo cual matar a los Caballeros de Diva y a la misma Diva le resulta un reto mucho mayor, sin embargo, sigue teniendo una facilidad natural para matar a sus enemigos. 

 

En el caso de Mirai, su katana de sangre es una habilidad especial entre los Spirit World Warriors (Ikaishi), protectores de humanos en contra de los monstruos espirituales invisibles para ellos llamados youmu, esa misma habilidad única y altamente peligrosa los ha llevado casi a la extinción con Mirai siendo la última del clan. (Muy similar a los Hollows y a los Quincy con la historia de Uryu Ishida.) Sumado a peculiar materialización de su sangre, ésta también resulta ser un ácido potente.

También es comparable, hasta cierto grado, con las habilidades de los maestros agua en Avatar La leyenda de Korra con sus nuevas técnicas de sangre control, aunque esta habilidad es más letal que la de Mirai ya que puede manipular el agua en la sangre de cualquiera mientras Mirai solo puede manipular su propia sangre y, por alguna razón, se limita en sus usos a pesar de mostrar que tiene la habilidad de manipularla libremente y a su antojo en cuanto a forma.

Akihito, estando harto después de días de ser herido constantemente (sana rápidamente pero siente dolor) por los intentos de asesinato de Mirai, finalmente le propone ayudarla a mejorar sus habilidades de batalla contra los youmu para que ella deje de intentar matarlo y pueda sobrevivir (los Ikaishi ganan dinero por cada youmu que eliminan, que al morir se convierten en piedras que pueden vender).

Ahora, para explicarles este mundo, primero hay que definir exactamente qué son los youmu.

Ellos son una especie de demonios espirituales que surgen de los sentimientos humanos negativos como el odio, la envidia y la avaricia, entre otros. Esto quiere decir que mientras los humanos continúen existiendo, los youmu también.

Los youmu pueden tomar casi cualquier forma, hay unos que incluso tienen apariencia humana. En la historia, han habido muy pocos casos de un youmu y un humano reproduciéndose, pero tal es el caso extraordinario de Akihito, su madre siendo humana y su padre siendo un youmu (no identificado). Algo similar a Inuyasha pero más Ao no Exorcist (Blue Exorcist) por el caso de Rin Okumura. También como es en el caso de ese anime, la mayoría de estas criaturas viven en paz con los humanos y por eso no son muy notados. Sin embargo, pueden perder su balance y causar estragos en ciertas ocasiones, como La Calma; en lugar de fortalecerlos como lo hace la influencia del youmu más grande que hay, el Kyoukai no Kanata o Beyond the Boundary que carece de forma física exacta y existe en el ambiente (el mar, el aire de la ciudad, etc.), por así decirlo, La Calma tiene el efecto opuesto, debilita a los youmu.

Esto le sucede a Akihito también pero de manera distinta, tanto a su mitad humana como la youmu durante La Calma, pero su lado youmu resiste más los efectos, llevando a que el demonio se apodere de su conciencia y su cuerpo, cosa que también ocurre cuando Akihito está herido mortalmente.

Las primeras dos ocasiones en que se puede evidenciar la fuerza de Akihito en este estado son la OVA (o episodio 0, cuando casi mata a su futuro mejor amigo, Hiromi Nase) y luego cuando Akihito es poseído por un demonio llamado Hollow Shadow, demonio que da raíz al terror de Mirai por sus propios poderes y la volvió una Ikaishi antisocial que odia matar incluso a youmu. 

Tristemente, siendo temida por sus poderes desde pequeña, solo tuvo una amiga en su infancia a la que tuvo que matar también por ser poseída por ese demonio que años después se volvería a encontrar, recordándole su pasado traumático y obligándola a apuñalar a Akihito al ser poseído, liberando su lado youmu por primera vez desde haber sido cazado por el clan Nase, el más celebre de todos, que debió resignarse a protegerlo por su incapacidad de asesinarlo.

Este impedimento de ellos es lo que hace que Mirai y Akihito se conozcan; ella es contratada por la líder del clan Nase, Izumi, para eliminarlo.

Conociendo el lado oscuro del otro, se forja una amistad entre ambos y, en contra de la lógica, Mirai decide sacrificarse para pider extraer a Kyoukai no Kanata de Akihito y eliminarlo, permitiendo que su amigo pueda vivir normalmente. No diré cómo sucede.

Debo admitir, las secuencias de batalla están hermosamente animadas, sin embargo, no se explota todo el potencial de acción que se pudo haber logrado. A pesar de ello, se logran mostrar las habilidades de cada quien con un espectáculo colorido de formas geométricas, pero, igual, había potencial para mejores peleas y menos show. En ese sentido, sí hay mucho; se concentraron más en secuencias de movimientos fluidos, rápidos o lentos, bastante detallados y dinámicos, como ocurre en el primer episodio con las persecuciones de Mirai atacando a Akihito.

La historia aún no termina, continúa la novela gráfica y también se desarrolla una trama alternativa después del final del anime que se desarrolla con la segunda película; aún hay muchos puntos claves del mundo y de los personaje principales que aún están por ser aclarados para lograr comprender todo. Pero, la narrativa que varía en estilos, siendo generalmente lineal pero, en ocasiones siendo en elipsis o jugando con flashbacks, fue muy bien utilizada y mantuvo la intriga y el desarrollo de acciones y personajes justo en los momentos adecuados, equilibrándose, casi siempre, de manera perfecta con la comedia que ofrece la serie (Akihito siendo un fanático obsesionado de mujeres con lentes, como Mirai, quien lo rechaza pero se apena y sus amigos:  Mitsuki y Hiromi Nase, ambos con carácter fuerte pero Hiromi teniendo un complejo obsesivo con su hermana menor, entre otros personajes cómicos). Conocemos suficiente, pero no todo y eso mantiene la atención siempre.

Al final, lo más atractivo de la serie, principalmente, son la animación (diseño, movimiento, colores) acompañada con buena música y la relación compleja, con sus tonos alegre y oscuros, entre Akihito y Mirai, una pareja perfecta pero peculiar. Esto implica sus persecusiones cómicas, la primera batalla contra el Hollow Shadow en que Akihito ayuda a Mirai a aceptarse como es y estar en paz con su pasado, el momento en que Mirai libera a Kyoukai no Kanata para eliminar al Hollow Shadow que posee a Akihito para luego calmarlo y comprender que sus vidas son similarmente difíciles, cuando Mirai extrae al youmu de Akihito para salvarlo habiendo aceptado su destino, cuando Akihito vuele a absorber un pedazo de Kyoukai no Kanata para unirse en la batalla contra el resto del youmu y, finalmente, cuando Mirai desaparece después de haber sido absorbida junto a Kyoukai no Kanata a dentro de Akihito una vez más. 

Eso sí, debo aclarar que esto no es una historia exageradamente melosa. Sí se notan los sentimientos entre ambos pero no es algo exagerado ni es del todo el enfoque principal de la historia; se trata más de ellos como individuos únicos e incomprendidos que por fin encuentran a alguien similar que los entienda, aprecie y con quien pueden sentirse normales al fin.

Creo que vale la pena verla, me gustó mucho, considerando que los animes más recientes no han sido tan impresionantes como los de hace, tal vez, una década más o menos. Puede que no sea el mejor anime del momento pero sí es estéticamente un logro y su historia es interesante.

2012 Doomsday

Ya que algunas personas piden críticas negativas y devastadoras para satisfacer sus gustos cínicos y recordar que hay personas que han derrochado dinero que se pudo haber utilizado para el bien mundial en lugar de una película, si se puede llamar así a un pedazo de basura que nos desangra los ojos, hoy les voy a presentar la que, hasta donde recuerdo, es la peor película que he visto en mi vida. En serio, no exagero.
Quizá ninguno haya escuchado de ella, pero eso es algo bueno. Aún no me explico como terminé de ver lo que sea que fuera eso, considerando que la vi en DVD; tenía todo el control para poder terminar mi miseria, pero supongo que esperé a ver si alguna vez aparecía algo redimible... No.
2012 Doomsday, tal vez el título decribiéndose a sí misma por ser apolcalíptica en cuanto a industria audiovisual y escrita se refiere (el guión hubiese sido mejor si hubiese sido hecho por niños de primaria), esta película del 2008 me enseñó que si miro el nombre de Nick Everhart en algún proyecto cinematográfico, debo huir inmediatamente.Su mini biografía en IMDb lo describe como alguien que tiene mucha experiencia y que quiere proveer buenos efectos visuales y personajes bien desarrollados.
Déjenme decirles que solo los efectos visuales logró de manera algo decente y, a pesar de eso, muchas eran innecesarios, preferiría que grabaran en locación en lugar de proveer escenarios ligeramente falsos.

Aquí está su curriculum por si quieren intentar reconocer algo de lo que ha hecho:
http://www.imdb.com/name/nm2544836/

La calificación más alta dada a la película es el 1,7 que obtuvo en IMDb; obtuvo un 11% en Rotten Tomatoes y, como varios de los que dieron su opinión también piensan, siento que no hay nada en la película que merezca un comentario positivo aparte del gran valor que tuvo la gente en permitir que se creara. No sé como darían la cara después de eso.

Mi sinopsis personal de la película es: una película en que el mundo se va a destruir cuando el calendario Maya llegue a su fin, hay mucha plática científica inútil y forzada, una señora que es importante pero solo aparece como 4 veces diciendo muy pocas palabras y viendo a la nada como si estuviera drogada o algo (ni se ve inteligente al hacer eso, sin ofenderla, sino a su director). Me sentía como viendo Dora la Exploradora o algo por el estilo (aunque Dora es mejor); era como si de repente los actores se iban a voltear a la cámara y preguntar, como Islandia en el anime de Hetalia, "¿Y qué, esperaban algo más?" La historia no tiene sentido, se alarga demasiado innecesariamente y, a pesar de que yo sea cristiana, se siente como intento muy barato y malo demeterle miedo a uno sobre el apocalipsis cristiano que "predijeron" los mayas (¡Ja! ¡Ya estamos en el 2015!). No entiendo como en la excavación de templos mayas encontrarían una cruz con el Cristo (porque claro, todos sabemos, o deberían saber, que para cuando los españoles llegaron a Centro América, específicamente a Honduras, los mayas ya estaban extintos, solo quedaba abandono donde vivieron). Por alguna razón, habiendo sido este el único templo maya-cristiano, la misma cruz es una llave que debe ser utilizada en Chichen Itzá; si ese templo no era cristiano... ¿Por qué usarlo ahí? O sea, historia cristiana completamente forzada y anti-científica, anti-histórica, etc.
El director aparentemente nunca recibió clases de temas que no fueran... La verdad parece que no recibió educación porque ni siquiera maneja los datos del cristianismo bien.
Sabiendo eso, siento que sus puntos cristianos auyentan más a las personas de la religión de lo que les puede hacer sentir que deben arrepentirse y cambiar; las películas de la segunda guerra mundial si logran eso con mucha mayor facilidad que esta película que literalmente suda moral cristiana y... lamentablemente, proyecto de Sy-Fy Channel (no vayamos a Sharknadoe por favor).

En conclusión, no es una película cristiana, no tiene ningún hecho científico-histórico acertado, no tiene buenos actores, no tiene buenos efectos, el guión y el director son un desastre.
Al final que puedo decir, aprendí que el cine hondureño es mejor que esto y agradezco haberla visto bajada por torrent sin gastar un centavo. Que reciba 1 de calificación es una piedad enorme... Esto simplemente debe ser destruído e ignorado como que jamás pasó, a lo 1984.

Inside Out (Intensa Mente)

Debo comenzar la entrada de hoy con una confesión: soy muy sensible. Con eso me refiero a que muchas películas infantiles, y algunas otras para adultos, me sacan lágrimas o risas fácilmente. Lamentablemente soy de esas personas molestas que comentan y reaccionan con videos fácilmente (verme gritarle a la computadora puede ser molesto y cómico). Habiendo establecido esto, debo proceder con algo que es básicamente un hecho: a muchas personas les conmueven mucho las películas de Pixar.

Ahora bien, si consideramos que esta entrada es acerca de una película de Pixar que trata con cinco de las emociones básicas desarrollándose en la vida de una niña pre-puberta con una vida que está cambiando drásticamente pues, no se deben sorprender porque lo que escriba aquí vaya a ser muy emocional  personal ya que, admito, me identifiqué con muchos aspectos de la película y ustedes deben saber que cuando una película crea un vínculo personal lo lleva a uno en un viaje melancólico que hace que la película casi parezca perfecta. Así que desde ahora advierto y agradecería que si tienen algún aspecto de ella que quieran criticar negativamente o que piensan no es tan mágico como lo sentí, compártanlo en sus comentarios.

Sinposis:

Riley es una niña que se ve abruptamente arrancada de su vida perfecta en Minnesota y forzada a mudarse con sus padres a San Francisco debido al trabajo de su papá. Las emociones se manifiestan en la mente consciente de Riley, una cabina a través de la cual ellos deciden como Riley debe reaccionar emocionalmente a cada momento de su vida, así creando sus memorias a corto plazo del color correspondiente a la emoción ligada a la memoria creada, memorias que al final del día son enviadas a la memoria a largo plazo (un laberinto lleno de memorias que se retuerce simulando las arrugas del cerebro).

Las memorias centrales son aquellas que son más importantes en la vida de cada persona, que crean islas de personalidad, esos aspectos que definen a la persona en su vida.  

El conflicto se centra alrededor de los sentimientos conflictivos y reprimidos de Riley acerca de la mudanza debido a que Alegría fuerza a Riley a ser positiva ante todo, sin dejarla expresar lo que en realidad siente ante la situación. Alegría aleja a Tristeza de los controles para que no afecte a Riley, preguntándose por qué existe tal emoción y al final dándose cuenta de sus efectos positivos y necesarios en la vida de la niña.

Bien, Inside Out o Intensa Mente, es un planteamiento muy original que vino a proponer uno de los directores de Pixar, Pete Docter, por su preocupación personal al ver como su propia hija cambió de manera drástica entre sus 10 y 12 años de edad, volviéndose menos infantil y algo más reservada. Docter se preguntaba lo que pasaba dentro de su mente y así surge poco a historia que llevó a la pantalla. La historia continuó creciendo utilizando experiencias personales del equipo que participó en la película. Una de esas experiencias fue de la misma infancia de Docter, quien se mudó a Dinamarca con su familia por los estudios musicales de su padre. Docter fue quien tuvo una experiencia compleja adaptándose a esa nueva realidad (no se puede comparar mudarse de una estado a otro con mudarse de Estados Unidos a un país nórdico). Docter sentía que sus compañeros lo juzgaban constantemente y era aislado por su diferencia en gustos; mientras los demás practicaban deportes, el dibujaba solo. Su ansiedad terminó hasta que entró a “high school”. Habiendo tenido esta experiencia negativa fue lo que desató la preocupación de Docter por los cambios en su propia hija. 

La escena de la cena en que los papás de Riley se intentan comunicar y fracasan también es basada en algo que le sucedió a Docter.

         

Lo más admirable de esta historia, sorprendentemente, no es el resultado que todos vemos sino el gran proceso por el que el estudio de animación pasó para crearla. Se da un giro al concepto de “las voces en nuestra mente” del planteamiento tradicional del ángel versus el demonio y se pasa a algo realista pero condensado (habían desarrollado un “storyboard” con 27 emociones como personajes, una tarea casi imposible de desarrollar bien), volver los procesos mentales en algo más físico, para la comprensión de la audiencia infantil. Esto se logró de manera científicamente correcta, habiendo consultado a muchos psicólogos para la revisión de los aspectos neurofisiológicos en que las emociones se proyectan en las relaciones interpersonales pudiendo ser moderadas por las personas o viceversa. Han existido muchas teorías sobre emociones básicas que comparten todos los animales pero Docter tomó la más condensada de ellas, la que establece 6 emociones básicas: furia, miedo, tristeza, disgusto, alegría y sorpresa (que por sus similitudes con miedo fue combinada con ese personaje). El enfoque de esta teoría definía a la tristeza como una emoción que fortalece relaciones.

Si bien es cierto que se utilizaron esas 5 emociones básicas, cada una posee emociones más detalladas, como el caso más obvio de tristeza que refleja reflexión y nostalgia, cosas muy positivas que llevan a una epifanía y a un nuevo comienzo, llevando a las personas por un proceso de sanación emocional y retornando a la alegría.

La decisión de utilizar a una niña de 11 años como personaje principal fue por estudios que demostraban que las mujeres de entre 11 y 17 años de edad están más en contacto con expresividad y emociones que cualquier otra persona. A pesar de ello, quisieron alejarse de los estereotipos femeninos para hacerla más fácil de identificar con la audiencia en general.

Con solo los trailers y clips, ya sabía que sentimientos eran más fuertes en mí, pero al comenzar a ver la película también comenzó una lucha interna propia. Resulta que la manera en que Alegría obligaba a Riley a ser absolutamente positiva y reprimiendo sus demás sentimientos me molestó; tengo muy claro que es mejor ser feliz y positivo en la vida para sentirse mejor, pero es algo completamente distinto a fingir que todo está bien mientras uno por dentro está explotando y dañándose a sí mismo. Esto obviamente se explica con la ignorancia de Alegría, la primera emoción de Riley, acerca de los efectos positivos de los demás (aparte de la precaución sobre accidentes y envenenamientos que proveían Miedo y Disgusto en ocasiones).
Seré sincera, Alegría, entre las emociones plasmadas de manera literal, sería mi emoción má débil (no que no sea feliz ni que carezca de sentido del humor considerando que me puedo reír de cosas sencillas más fácilmente que un niño pequeño).
Así como le sucedió a Riley y a Docter, y a todos en realidad, mi personalidad se forjó por eventos de mi vida y, por alguna razón, siempre he sido más cautelosa y reflexiva...demasiado... Por mi edad y experiencia, comprendía que lo que trataba de hacer tristeza no era deprimir a la niña si no hacerla reflexionar sobre esa nueva etapa en su vida, sentir nostalgia sobre lo perdido, compartirla con quienes la rodeaban y conseguir comprensión y solidaridad para poder tomar el primer paso hacia adelante e intentar acoplarse.
Yo misma pensé, bueno la verdad es que aún se cruza por mi mente a veces, en huir de mi casa, no por las mismas razones que ella pero sí pasé una mudanza que, aunque la distancia no me afectó mucho, sí dejé el hogar en el que crecí los primeros 15 años de mi vida. Ya no tendría el mismo cuarto que pasó por miles de cambios ni estaría donde tuve varias memorias familiares únicas, etc. Entonces, igual que Docter, asocié distintos eventos de mi vida como las veces que quise escapar, mi adolescencia (que todos sabemos que actuamos exageradamente en ella pero es natural), mi mudanza, etc. Al hacer esto, la película se tornó personal porque, aunque no de manera exacta, yo viví a mí manera lo que Riley vivía y entender como la alegría puede ser lo último en la cabeza de alguien bajo esas circunstancias me pareció natural y familiar. Lloré porque recordé dolores pasados y pasé por una introspección de ellos para analizar como me habían cambiado para el presente. Noté que aún habían cosas que no había cambiado y por eso dolía tanto ver a Riley.
Siento que la película, aparte de ser una herramienta para educar a los niños en esos cambios, le permite a uno de adulto valorar su vida y, si se da algo como mi caso, intentar agarrar impulso para mejorar aún más.

Como dijo Mindy Kaling, la voz detrás de Disgusto, “Pienso que es hermoso como ustedes (Pixar) están haciendo una historia que le dice a los niños que es difícil crecer y que está bien estar triste al respecto”. Y a pesar de ya ser adultos, la vida continúa cambiando al igual que nosotros así que, esto sigue aplicando y lograr que estemos conscientes de ello creo que es el mejor mensaje que Pixar nos ha dejado, si no recientemente, absolutamente.


Y ya que mencioné a Mindy Kaling, eso me lleva al casting, cuyos miembros están formados de muchos veteranos de Saturday Night Live y de Pixar, destacándose Amy Poehler como la voz de Alegría.

Cada emoción está diseñada en base a una figura geométrica, pero el diseño en general se basó en un estilo cincuentero de musicales de Broadway. Cada personaje despide partículas de colores y tiene textura como de pelo con brillantina, funcionando como metáfora física de sus esencias, energía pura.

El compositor de la música fue Michael Giacchino, responsable de las exitosas composiciones detrás de Up.

Hasta ahora, la película es la más exitosa del año y ha roto récords en taquilla, entre ellos el de mayores ingresos en su fin de semana de estreno, superando a Avatar. Su éxito por su concepto original, colorido, personalmente emotivo y su mensaje tan importante a la familia superó los temores de no poder ser comprendida por la audiencia más joven llevando a los críticos a considerar esta película como la redención de Pixar. 

Si esta película hizo llorar a los mismos actores que hacían las voces y a mí misma, les garantizo que vale la pena.

Terminator: Genisys

Dirigida por Alan Taylor

La trama de cada Terminator después de las primeras dos ha sido justificar su propia existencia; los que saben de esta saga se preguntan, ‘‘¿Por qué estoy en el cine viendo la tercera/cuarta/quinta Terminator cuando Sarah y John Connor detuvieron el Juicio Final en la dos, maldita sea?’’, mientras los que no saben solo miran a la pantalla con lágrimas en los ojos, considerando las malas decisiones que tomaron en su vida como para verse atrapados viendo la mala secuela de una película ochentera que no les gustó o que jamás vieron en primer lugar.  Parte de la audiencia ya está en su contra, si le agregamos el hecho que el trailer que contó el giro más importante de la trama hace que la pelea de Alan Taylor por hacer una buena película sea más difícil y hasta noble. ¿Tuvo éxito? Pues como no les importó contar todo en los trailers, voy a ‘‘spoilear’’ mi propia reseña en el intro y diré que no, no tuvo nada de éxito, de hecho es malísima...

...Y en gran parte gracias a este tipo.

En el futuro, John Connor (Jason Clarke) manda a Kyle Reese (Jai Courtney) al año 1984 para salvar a su madre, Sarah Connor (Emilia Clarke), de un T-800 (Arnold Schwarzenegger) que fue mandado por Skynet, un software que esclavizó a la humanidad. Cuando Kyle llega a su destino descubre que Sarah no solo ya sabe todo sobre el futuro, si no que también ya eliminó al T-800 que vino tras ella con la ayuda de su propio T-800, apodado ‘‘Pops’’.

Antes de empezar a hablar de todo lo que detesté de esta película, empezaré con lo bueno, el regreso de Arnold como un Terminator. No es por nostalgia, sino porque él aún mantiene todo el carisma que vimos en Terminator 2 (e incluso en la 3). Mantuvo una buena química con Emilia Clarke, con quien tiene una relación de padre/hija de la cual me hubiera gustado ver más (tal vez habría tiempo si hubieran cortado unos 123 o 124 shots de la cara confundida de Jai Courtney). También nos demuestra que él aún puede ser convincente en las muchas escenas de acción de la película, las cuales no son nada menos que fenomenales, particularmente la escena en la que Arnold pelea con una versión más joven de sí mismo, rejuvenecido con “CGI”, es un excelente efecto y sirve para recordarnos que él está viejo, ‘‘pero no obsoleto’’.

Lamentablemente, la genialidad de Arnold es contrarrestada por lo terrible que es Jai Courtney interpretando a Kyle Reese. Al principio pensé que su casting era algo ingenioso y arriesgado. Cierto, la manera como dice sus diálogos es muy aburrida y parece que jamás ha visto como un ser humano siente emociones, pero eso tomaba segundo plano a la astucia del director de reparto que encontró a este gorila albino que era capaz de mimicar palabras como si fuera una persona; lo rapó y lo puso como protagonista en su producción multimillonaria. Estaba muy maravillado, viendo a este primitivo animal actuando como que si fuera una persona, como para preocuparme por su capacidad como actor. No fue hasta mucho después que me enteré, para mi sorpresa, que Jai Courtney no es un gorila albino rapado que pretende saber actuar como un ser humano, resulta que solo un australiano sin talento que pretende saber actuar como un ser humano.

Pero cualquiera pudo cometer ese error...

El casting de Jai Courtney es un verdadero misterio; no sabe actuar, no tiene una película particularmente exitosa en su portafolio (salvo tal vez Insurgente, también conocida como ‘‘esa que trata de ser como Hunger Games y falla miserablemente’’) y no se parece a Kyle Reese, ni siquiera se molestaron en darle el mismo peinado. Tenía tan poca química con los demás actores que sus co-estrellas parecían igual de terribles, en especial la pobre Emilia Clarke, quien, por más que trató, no pudo hacer que sus diálogos sentimentales se escucharan convincentes mientras rebotaban de alguien con la personalidad de una piedra. Se supone que es el protagonista, pero termina sirviendo más como un agujero negro que consume carisma y talento.

Carisma y talento era lo que se necesitaba para salvar este guión lleno de clichés y malos diálogos. Tengo la impresión que fue escrita como quien escribe un fan-film, mostrando más interés en expandir el Universo Terminator que en contar una buena historia. De cierta manera es más un homenaje que una secuela.

Al final, si son fans de Terminator por las primeras dos películas o por la serie de televisión (la cual, me dicen, es muy buena) esperen a verla en DVD o streaming, y si no les gusta o jamás han visto ni una de Terminator, pues ni se acerquen, ésta no los convertirá en fans.

Rating: 4/10

Videos Demon Days (Fase 2) - Gorillaz

Gorillaz lanzó más videos para su primer CD y, a pesar de que se puedan analizar, quiero resaltar los más impactantes  y, para eso, siento que los siguientes tres videos de su segundo CD son los que se destacan más en cuanto al contenido que transmiten. Hablo de Dirty Harry, Feel Good Inc. y El Mañana. Las animaciones para su segundo disco, Demon Days, se tornan más oscuras como la realidad social mundial del momento y la historia de los personajes de caricatura de Gorillaz; el aumento de detalles y la mejorada armonía entre animaciones computarizadas, elementos reales y caricaturas permiten mejor utilización de metáforas visuales que refuerzan los mensajes de las líricas de Albarn.

Comencemos con Dirty Harry, el video hace referencia, de manera bastante directa, a la guerra en Irak debido a una línea de la canción que dice, "The war is over so says the speaker with the flight suit on" que se refiere al anuncio de Bush de que la misión en Irak ya estaba cumplida. 

Esta referencia no debe ser sorpresiva ya que en un clip de video extra del primer CD que la banda lanzó antes daban un mensaje muy directo: liberen al Tibet.

Gorillaz no solo se dedicaba a hacer críticas generalizadas de la sociedad, l política, el medio ambiente y la economía, también hacía referencias muy puntuales que criticaban específicamente a algún evento o a algunas figuras con alguna connotación conflictiva. Esto se resalta con la referencia más sutil y poco conocida a un fallo de un experimento nuclear llamado Upshot-Knothole Harry.

También continúan con sus al cine por las referencias a Clint Eastwood y, con el diseño de la carátula del sencillo, a la portada de Full Metal Jacket.

El video se destaca por ser el primero en ser filmado en locación, uno de los toques visuales más impactantes del video, sin duda. Resultó ser más barato grabar el video en un desierto en Namibia que utilizar animaciones, pero esa coincidencia brinda el toque más genial al video qie resulta ser más dramático y hermoso siendo real y acompañado por la líricas que hacen del paisaje sentirse más severo.

Otro toque genial fue tanto visual como musical, el uso del San Fernando Valley Youth Chorus. Este coro de niños hace que el coro de la canción llegue a ser más personal y duro para uno, considerando no solo la lucha de la inocencia contra la corrupción, sino también las víctimas inocentes de Irak. El animarlos haciendo cosas sencillas y, hasta cierto punto, ignorantes, es una manera de reflejar a esas vidas completamente alienadas a la realidad de la guerra pero pagando con sus vidas por ella.

Continuando con Feel Good Inc., la crítica social acerca de la falta de morales por el corporativismo que, no solo afecta a los humanos, también destruye a la tierra. El video ganó el premio de Breakthrough Video y el de Mejores Efectos Especiales en un Video de los MTV VMAs del 2005.

Aparte de la genial referencia por la inspiración de Jamie Hewlett para crear la isla voladora basada en Laputa, El castiilo en el cielo de Hayao Miyazaki, podemos ver una gran ciudad industrial llena de humo, destruyéndose y recordádome a las descripciones lúgubres del Bronx, encontramos la Feel Good Inc., el perfecto símbolo de la industrialización desenfrenada y fría.  La gran mejora en la animación de los videos crece con este video que crea un ambiente muy realista y nos muestra detalles muy emocionales como el aliento o polvo saliendo del megáfono con el que 2-D comienza a cantar, la penumbra constante en la torre con solo débiles luces rojas que recuerdan a las de emergencias, la luz del sol y como juega en el paisaje perfecto de la isla voladora. Todo esto sin contar la excelente animación de la interpretación de la banda y los efectos de sonido muy acertados y usados en los momentos precisos.

2-D comienza a cantar a través de un megáfono dentro de la torre llena de personas tiradas en el suelo que representan la acelerada caída de la cultura de masas ante los nuevos medios que atontan a la gente y en realidad manipulan o no aportan nada; él cantando a través del megáfono y despertando al bajista y al baterista representa, con su música, un último intento de la banda para protestar, casi como activistas políticos, en contra de esta nueva realidad que mantiene a las personas "zombificadas" y buscando despertar su anhelo por la libertad intelectual a la que tienen derecho. Este contraste se refuerza con las referencias a la película de Miyazaki, que también busca contrastar un mundo industrializado y esclavista con una isla que representa la naturaleza pura y el conocimiento honesto.

Entre estos conceptos opuestos de un paraíso limpio y libre versus la ciudad indsutrializada y corrupta en todo sentido se desarrolla el tema del aislamiento y el escapismo, con el cantante 2-D deseando librarse de la horrible torre fría en la que solo se encuentran tentaciones superficiales y buscando a la isla en la que la guitarrista, Noodle, está viajando por sí sola. Se pueden notar varios helicópteros patrullando los cielos sobre la ciudad, evitando el escape de las personas de esa nueva cultura de masas y, se podría considerar, que los raperos en las pantallas (De La Soul siendo el principal) son una leve referencia a las popularizadas charlas del Gran Hermano del libro de George Orwell, "1984".  Ellos representan el poder de los medios que insisten en aplastar la poca esperanza y rebeldía que queda en la población, tal como en el libro. Y los resultados son iguales, 2-D, después de sus esfuerzos, se ve derrotado en una silla y toda la banda es consumida por la oscuridad e inmovilidad de los medios. Esto explica el nombre Feel Good Inc., dentro de la cual los medios convencen, hipnotizan a la gente para que crean que todo está bien tal y como está, aunque sea una mentira y lo logran cuando 2-D repita la frase "feel good" al dejarse derrotar en su silla, así como en 1984 cuando les han lavado el cerebro preferiblemente a afrontar la triste realidad que se les oculta.

Hay que admitir que de entre todo esto, lo que más destaca es cuando 2-D está en la ventana viendo como Noodle se aleja en la isla que es seguida por dos helicópteros; en ese momento se rinde, deslizando sus manos por el vidrio dejando las huellas de sus dedos sobre la superficie empañada y, como previamente, 2-D parece encogerse, el mundo girando alrededor de él sin que tenga algún escape hasta quedar en su silla.
Si creíamos que Gorillaz era interesante e intenso, esto los llevó a otros nivel.

Sin embargo, no todo termina en Feel Good Inc. La continuación del video, siguiendo la historia de Noodle, sigue en El Mañana, una secuela aún más dramática y detallada.

Mientras Noodle continúa en la isla pacífica y soleada, los dos helicópteros que la perseguían comienzan a atacarla y al molino que mantiene a la isla volando. Nunca se confirmó si la perseguían por haber escapado a la influencia de la ciudad o para deshacerse de la única influencia positiva que existía hacia la libertad. Destruyendo a la isla lentamente, esta cae a la tierra y un helicóptero le lanza una bomba pero, antes de caer del todo, Noodle logra escapar con una paracaídas estando malherida. Como en Laputa y Dirty Harry, se lleva uno un mensaje de la muerte de la inocencia y la pureza del mundo.

Al igual que en Feel Good Inc., solo que en este caso ocurre durante toda la canción, hay una guitarra acústica tocando junto con la música estilo hip-hop de la canción, reflejando este contraste nostálgico y puro contra los temas más oscuros de la canción y el escenario.

  

La animación del fuego, el cielo, el molino y la mejorada y más detallada Noodle fueron efectos espectaculares llenos de textura y profundidad. Es hasta en este video que se hace completamente claro, incluso para quienes no sabían de la historia desarrollada con los personajes de la banda virtual, que en realidad sí ha habido una historia ocurriendo desde un inicio, como se confirma no solo en videos si no también cortos o "Bites" de la banda, entrevistas, su sitio web donde se puede recorrer su casa con todo y cambios según avanzaba la historia, y con la autobiografía lanzada 7 mese después de haberse estrenado el video de El Mañana titulada "Rise of the Ogre".

Información acerca de la historia detrás de los personajes y El Mañana:
Noodle descubrió que en realidad era un sujeto de prueba en un proyecto secreto de súper soldados del gobierno.
En la autobiografía, Murdoc, el bajista, finalmente reveló que el video "El Mañana" era de hecho "actuado", y que Noodle seguía "viva". Resulta que toda la conspiración de "El Mañana" fue hecha para deshacerse de un enemigo de la banda, un hippie psicótico ejecutivo de la industria que busca sabotear la banda por ser rechazado en el rol de guitarrista. Murdoc decidió deshacerse de él y fingió un plan para "ayudarle" terminar con la banda con una "explosión" y para comenzar una nueva banda. Manson viajó de polizón en la isla y, mientras que el molino se estrellaba, Jimmy le dispararía a Noodle y usaría el paracaídas para sí mismo. Sin embargo, Murdoc "olvidó" dejar el arma a bordo de la isla y encerró al hippie en el molino; supuestamente murió en el accidente mientras Noodle escapaba.

Murdoc dijo que Noodle había estado planeando salir después de Demon Days. Esto podría significar que quería dejar la banda, pero podía haber significado que iría a Plastic Beach. Murdoc había revelado también que los helicópteros que disparaban al molino eran piratas y mercenarios a los que Murdoc había estado vendiendo armas a los malos en México y que estaba todavía huyendo de ellos. Estos son los eventos que llevan a su tercer CD, cuyos videos analizaré en la siguiente reseña musical.

Disfruten Demon Days.